Archivos de la categoría ‘Fotógrafos’


Sebastião Salgado es un fotógrafo brasileño nacido en AimorésMinas Gerais, en 1944. Recibió en 1998 el Premio Príncipe de Asturias de las Artes. Salgado pertenece a esos fotógrafo comprometidos con lo social, en la tradición de la fotografía socio documental. Trabajó en la administración de la OIC (Organización Internacional del Café), pero en 1973 abandona su carrera para dedicarse a la fotografía, terreno al que llega relativamente tarde y de modo autodidacta. En su carrera como fotógrafo comenzó trabajado para la agencia de sede en París Gamma, pero en 1979 se une a Magnum Photos. En 1994 deja Magnum para formar su propia agencia Amazonas Images en París para representar su obra. Destaca en su obra la documentación del trabajo de personas en países menos desarrollados o en situación de pobreza. Fue nominado representante especial de UNICEF en el año 2001. En la introducción a “Éxodos” dice: “Mas que nunca, siento que solo hay una raza humana. Más allá de las diferencias de color, de lenguaje, de cultura y posibilidades, los sentimientos y reacciones de cada individuo son idénticos.” Durante los inicios del año 2000, periodistas del New York Times y la escritora Susan Sontag criticaron las fotografías de Salgado. El fotografo fue acusado de utilizar de manera cínica y comercial la miseria humana, de exponer de manera bella las situaciones dramáticas corriendo el riesgo de hacer perder su autenticidad. Trabaja en proyectos propios de larga duración, algunos de los cuales han sido publicados en libros como Otras américas, Éxodo,…. Sus fotografías más conocidas podrían ser las realizadas en las minas de oro de Serra Pelada en Brasil. Suele fotografiar en blanco y negro con Leica.En junio de 2007 ha tenido una gran exposición antológica sobre su trabajo en Madrid, dentro de PHotoEspaña. la exposición ha ganado el Premio del Público del Festival. En el año 1989 recibió el Premio internacional de la fundación Hasselblad Moises Miranda Gutierrez!!

http://www.amazonasimages.com/sebastiao-salgado


El fotógrafo español Samuel Aranda ha sido ha proclamado vencedor del World Press Photo, el más importante certamen mundial de fotoperiodismo, por la imagen de un herido en las revueltas de Yemen que es abrazado por una mujer con velo.

La instantánea ha sido elegida entre más de 100.000 imágenes realizadas por un total de 5.247 fotógrafos provenientes de 124 países de todo en mundo.

En la fotografía, con una composición que recuerda a la escultura ‘La Piedad’ de Miguel Ángel, contrasta el negro del ‘niqab’ (un velo islámico que cubre todo el rostro a excepción de los ojos) con el cuerpo desnudo del joven herido que está en los brazos de la mujer.

Según el miembro del jurado Koyo Kouoh, la instantánea refleja la situación vivida durante las revueltas árabes que han llenado las portadas de los diarios internacionales. “Refleja a Yemen, Egipto, Túnez, Libia, Siria, a todo lo que ha ocurrido durante la Primavera Árabe”, según Kouoh.

Entre las fotografías ganadoras en esta edición hay varias imágenes de la Primavera Árabe, del conflicto en Afganistán y del terremoto y maremoto que asolaron Japón en marzo.

El presidente del jurado, Aidan Sullivan, también resaltó que en la elección de esta fotografías se quiere prestar atención al “alto precio que los fotógrafos tienen que pagar a veces” cuando realizan su trabajo

La instantánea ganadora fue publicada por el diario ‘The New York Times’ el pasado 15 de octubre, y ha sido elegida entre más de 100.000 fotografías realizadas por un total de 5.247 fotógrafos provenientes de 124 países de todo en mundo. Aranda obtiene con el galardón 10.000 euros y una cámara digital con un lote de objetivos y accesorios de última generación.

Creado en 1955, el World Press Photo pretende “alentar estándares de calidad más altos en el fotoperiodismo y promover el libre intercambio de información”, así como apoyar a dicho gremio en todo el mundo, según afirma en su web.

Aranda: ‘Los francotiradores disparaban bastante ese día’

“Ese día fue extremadamente difícil”, ha recordado Aranda en una entrevista telefónica con Efe desde Túnez, en la que explica cómo el herido que aparece en la fotografía fue alcanzado por el fuego de los francotiradores que reprimían las manifestaciones en Saná el pasado mes de octubre. El hombre, según el fotógrafo español, estaba intoxicado por los gases lanzados contra los manifestantes y había recibido un disparo en la pierna.

El instante, en el que una mujer cubierta por un ‘niqab’ negro sostiene su cuerpo, apenas duró un minuto, recuerda Aranda. Rápidamente, el hombre fue atendido en el interior de una mezquita utilizada como improvisado hospital, mientras a su alrededor continuaba los tiros.

“Los francotiradores disparaban bastante ese día”, recuerda el fotógrafo español, que prácticamente acababa de entrar de forma clandestina en el país, enviado por el diario estadounidense ‘The New York Times’.

Antes de llegar a Yemen, Aranda había cubierto para ese medio la primavera árabe en Túnez, Egipto y Libia.

De su experiencia en Yemen, el fotógrafo destaca la “sorpresa” inicial ante la situación en el país y el trato con su población. “Yo pensaba encontrar algo como Afganistán o Irak. (…) Donde los extranjeros no son bien recibidos y todo es difícil”, explica.

Sin embargo, Aranda se topó con una “gente maravillosa” y asegura haber vivido una de sus mejores experiencias personales como enviado a zonas de conflicto.

El fotógrafo ha confiado en que el premio que le ha sido concedido sirva para volver a llamar la atención sobre la situación en Yemen, donde continúa la crisis iniciada hace un año con la revuelta popular contra el régimen de Alí Abdalá Saleh. “Espero que el premio sirva para que se vuelva la mirada a Yemen”, señala el fotoperiodista premiado, contento pero a la vez sereno sobre el garlardón: “Está muy bien ser reconocido (…), pero a veces los fotógrafos y periodistas pecamos un poco de egocéntricos”, explica.

“Lo importante en esta historia es la mujer y lo que pasa en Yemen. Nosotros documentamos. No somos artistas”, ha subrayado.

Aranda -nacido en 1979 en la ciudad barcelonesa de Santa Coloma de Gramanet- comenzó su carrera con 19 años trabajando para El País y el Periódico de Cataluña. Con sólo 21, viajó a Oriente Medio para documentar el choque palestino-israelí para la Agencia Efe, y posteriormente cubrió conflictos para diferentes medios en Pakistán, Líbano, Irak, Marruecos o China, entre otros países.

Aranda, que actualmente se encuentra en Túnez, trabaja hoy por hoy principalmente para ‘The New York Times’ y ‘El Magazine’ de La Vanguardia.

fuente  http://www.elmundo.es/elmundo/2012/02/10/comunicacion/1328870096.html?a=0caf35cc6e4c5d10f1d6e19e4433ac75&t=1328876542&numero=

http://blog.corbis.com/2011/18-days-of-revolution-by-samuel-aranda/

http://lens.blogs.nytimes.com/2011/12/02/in-yemen-a-photographer-with-no-name/

http://samuelaranda.virb.com/blog/photos/13456565


La alicantina  Laura Medrano abre su nueva exposición virtual “Sueños” en la galería FocoGallery.

En relación a esta exposición, la artista  comenta:

La serie “Sueños” surgió tras un viaje a África en Noviembre del 2010 en el que visité Senegal y Gambia, dos países que sin querer invitan a la continua reflexión pero, como quien sin miedo abre la puerta de su casa a un extraño, también me invitaron a vivir momentos mágicos en los que permanecí horas disfrutando como si de un sueño se tratara.

Esta exposición es mi manera de transmitir esos instantes en los que no deseas que el tiempo pase, en los que sujetarías fuerte las manecillas del reloj para evitarlo, momentos en los que no deseas despertar y sólo quieres permanecer jugando con tus sueños.

Le deseamos mucha suerte a Laura y os animamos a que visitéis la exposición

Laura Medrano López 1976 Benidorm (Alicante)

Aún recuerdo las horas delante del objetivo de la cámara de mi padre y también recuerdo a mis hermanos, agotados, sujetando un reflector de luz casero. Yo era una niña y me cansé pronto, ahora daría cualquier cosa por revivir aquellos tiempos  y con ello crecí sin saber lo que aprendía.

Un día mi padre dejó caer en mis manos su NIKON F5 y por su visor experimenté sensaciones preciosas fotografiando. Me enseñó a revelar carretes, negativos, a pasar tardes enteras en el laboratorio…

Hoy siento la fotografía, observo qué ocurre a mi alrededor, entro en otro escenario y noto que respiro con ella.

Laura Medrano

 

Fuente: http://fotocinelavila.com/

http://parkinggallery.es/Parking_Gallery/Creadores_-_Laura_Medrano.html


En la tarjeta de visita de Larry Towell se lee solamente “ser humano”. Towell es también uno de esos fotoperiodistas raros que, como Robert Doisneau, viaja renuentemente y sólo cuando el tema es muy importante para él. (más…)


 

Hasta su exposición de 1971 en el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MOMA), no era conocido por el gran público. La calidad de sus obras, fácilmente identificable, obtuvo un reconocimiento general reflejado en el aumento de sus admiradores.

Álvarez Bravo estudió con los Hermanos de las Escuelas Cristianas de la ciudad de México (hoy La Salle).

En 1918 estudió Música y Pintura en la Academia Nacional de Bellas Artes. Entre 1916 y 1931 trabajó como funcionario en la Secretaría de Hacienda y Crédito Público, y más tarde en la Contraloría.

Por un corto periodo de tiempo fue jefe del departamento fotográfico de la revista Mexican Folkways editada por Frances Toor.

Durante este periodo se casó con la primera de sus tres esposas, Lola Álvarez Bravo, que más tarde desarrollaría también una importante obra fotográfica.

Asimismo, a través de la fotógrafa italiana Tina Modotti, conoció al también fotógrafo estadounidense Edward Weston.

Álvarez Bravo retrató a los pintores muralistas Diego Rivera y José Clemente Orozco.

En 1931, colaboró en la película ¡Que viva México!, de Serguéi Eisenstein, que no llegó a terminarse. Desde esa fecha, trabajó como fotógrafo independiente y profesor de fotografía en su propio estudio.

En 1959 fundó con Leopoldo Méndez el Fondo Editorial de la Plástica Mexicana. En 1987 obtuvo el premio Master of Photography, del Museo Internacional de la Fotografía, en Nueva York, y en 1995 recibió la medalla a la excelencia, concedida por la firma de cámaras fotográficas Leica en México.

La obra de Álvarez Bravo ha sido exhibida en más de 300 exposiciones, tanto individuales como colectivas, y se encuentra en las colecciones de los más importantes museos, como el George Eastman House, el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MOMA) y el Pasadena Art Museum. En 1974 le concedieron el Sourasky Art Price y en 1975 el Premio Nacional de Arte en México.

Según numerosos críticos, la obra de este “poeta de la lente” expresa la esencia de México, pero la mirada humanista que refleja su obra, las referencias estéticas, literarias y musicales que contiene, lo confieren también una dimensión universal.

Falleció el 19 de octubre de 2002, a los cien años.

Información de http://yoreme.wordpress.com/2009/12/29/manuel-alvarez-bravo/


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(1908-2004) Nació en Chanteloup, Seine et Marne, Francia. Pertenecía a una familia de la alta burguesía que le inculcó el gusto por el Arte, a sus padres sólo les interesaba la pintura, por este motivo fue educado en el Lycée Condorcet de París. En 1931 después de una larga enfermedad se intereso por la fotografía. La primera Leica la obtuvo en el 1933, con la que conseguía fotografiar al sujeto de una forma discreta sin distraerlo. Su primera exposición la inauguró en 1932 en la Galería Julien Levy de Nueva York, además ese mismo año publicó también su primer reportaje en la revista Vu. Hablando de su técnica jamás recorta los negativos, se positivan completos, sin encuadrar ni cortar nada. Es un fotógrafo que sabe componer con rigor, observando los gestos, las yuxtaposiciones de elementos y dispara en el breve instante en que todo ello crea un conjunto significativo, lo que él define como el momento decisivo.

Estudió pintura y literatura en Cambridge. La primera cámara que utilizó, fue en el año 1931 con una kodak Box Brownie, no es hasta un año después que obtiene su amada Leica, convirtiéndose en uno de los primeros fotógrafos en utilizar el formato de 35mm.

Fue un fotógrafo muy criticado en su técnica a su manera de capturar la realidad él no preparaba sus fotografías, eran tomadas en el momento exacto cuando sucedían los hechos que definen el concepto de su expresión. También era considerado un fotógrafo purista, es decir: no recortaba los negativos de sus fotografías, si no que sus fotos eran tal cual las había tomado, así que nada sobraba ni faltaba en sus fotos.

Es también reconocido por ser quien introdujo el surrealismo a la fotografía; un fotógrafo conceptual. Podemos suponer que el hecho de que viviera en Francia y que comenzara su vida fotográfica al mismo tiempo que el movimiento surrealista en la pintura con André Bretón en 1924, tuviera influencia en su trabajo. Sin embargo también fue conocido como el padre del fotoreportaje.

Su técnica pues, se basa en lo que él llamó “el momento decisivo”, pues es su manera de detener el tiempo y capturar la realidad, una realidad vista desde el ojo del genio de Bresson. La crítica en cuanto a su técnica es que se dudaba que realmente fuera un fotógrafo del momento decisivo por la perfección de sus fotos, sin embargo estas fueron solo críticas.

Fue el primer fotógrafo en exponer en el museo Louvre de Paris, fundó la agencia fotográfica Magnum junto a Robert Capa. Estuvo en varios internados de prisioneros durante la segunda guerra mundial por los alemanes, En 1937 filmó Victoire de la vie,
una película documental sobre la España republicana, fotografió a personajes como Gandhi, Ernesto “Che” Guevara, Marie Curie.

Un fotoreportaje que manejaba siempre el surrealismo y una temática muy conceptual para su época.

Comentaba en una entrevista “Las fotografías que me importan son fotos que puedo mirar durante más de dos minutos y es mucho. No hay muchas fotos que puedas mirar una y otra vez.A veces la gente me pregunta ¿cuántas fotos haces? ¿muchas al día? Siempre contesto que no hay una regla. A veces, como en esta foto en Grecia, vi el marco y todo y esperé a que alguien pasara e hice dos fotos, una de un cura ortodoxo con un sombrero redondo y otra a una niña. La de la niña estaba todo en relación con las otras formas mientras que la de él tenía algo más, era otra concepción y a veces no tienes una segunda oportunidad porque la gente se ha ido. Ése es el motivo por el que esta profesión crea tanta ansiedad. Porque estás siempre esperando, qué va a pasar, qué, qué? Es así todo el rato. Estás fotografiando y sí, quizás mejor así pero no debes fotografiar demasiado. Es como cuando comes o bebes demasiado, tienes que comer y beber pero no darte un atracón. Porque en el momento en el que levantas la mano el obturador quiere más y más y quizás la foto se encontraba en la mitad. Es una fracción de segundo, es un instinto. En fotografía debes ser rápido, como un animal de caza. Así la atrapas y la tomas y la gente ni siquiera lo nota. Y es precioso. Para mí, la fotografía es un placer físico. No hace falta tener mucha cabeza, sólo sensibilidad, un dedo y dos piernas. Es muy bonito cuando sientes que tu cuerpo está trabajando, lleno de aire y contactando con la naturaleza. Es precioso.

Soy extremadamente impulsivo, terriblemente impulsivo. Es una lata para mis amigos y familia. Soy un manojo de nervios pero me aprovecho de eso en la fotografía. Nunca pienso. Actúo, rápido. Tienes que olvidarte de ti mismo, tienes que ser tú mismo y olvidarte de ti mismo al mismo tiempo y así la imagen resulta mucho más fuerte. Lo que quieres y lo que ves. Tienes que implicarte completamente en lo que haces y no pensar. Las ideas son peligrosas. Tienes que pensar todo el tiempo pero cuando estás fotografiando no tienes que intentar forzar las cosas para explicar ni probar algo. No tienes que probar nada. Eso vendrá sólo.

La primera impresión es esencial, la primera vista es impactante, sorprendente. Salta hacia ti. Lo irás alimentando con tu propia vida, con tu gusto, con el bagaje intelectual que acarreas. Tus experiencias, tu amor, tu odio es un todo. Y la poesía es la esencia de todo. Hay dos elementos que están de repente en conflicto y hay una lucha entre ellos pero se da rara vez. No puedes buscarlo. Es como buscar la inspiración, todo llega enriqueciéndote a ti mismo y a tu vida. Es como decir que esperas por una buena foto. Por una foto genial… Pocas veces vas a hacer una foto genial. Tienes que ordeñar a una vaca muchas veces para tener mucha leche para poder hacer un pequeño trozo de queso. No comprendo lo que quiere decir “drásticamente nuevo” No hay ideas nuevas en el mundo, sólo cómo se disponen esas cosas. Todo es nuevo, cada minuto es nuevo. Me refiero a reexaminar. La vida cambia a cada minuto. El mundo se va formando cada minuto y es algo bello y trágico. Siempre hay polos y uno no puede existir sin el otro. Son estas tensiones las que siempre me han movido.
Interesar a la gente con lugares lejanos, impresionarlos, deleitarlos no es difícil. Lo más complicado es hacerlo en tu propio país. Sabes demasiado sobre él, cuando es tu propio bloque, tu propia rutina es difícil salir de ahí. Cuando voy al carnicero o lugares donde voy todo el tiempo, sé demasiado pero no lo suficiente para estar lúcido. Pero tienes que tener la mente abierta, ser consciente. Por eso la gente hace unas 10 fotos buenas en su vida. Lo interesante es la constancia. Seguir trabajando. Hay que reexaminar las cosas, intentar estar más lúcido y más libre y profundizar cada vez más. La cámara es un arma. No puedes probar nada pero al mismo tiempo es un arma. No es propaganda. En absoluto. Pero es una forma de gritar cómo te sientes. Me encanta la vida, me encantan los seres humanos, pero también odio a gente. ¿Lo ves? La cámara puede ser una pistola pero también puede ser un diván de psicoanálisis. Puede ser un cálido beso. Puede ser un libro de bocetos. Y para mi, ésa es exactamente mi forma de sentir, disfruto tomando una foto, estando presente. Es una forma de decir sí. Es como las tres últimas palabras del Ulises de Joyce, que es uno de los trabajos más tremendos que se han escrito nunca. Es sí, sí, sí. Y así es la fotografía: sí sí, sí. No hay un quizás. Todos los quizás deberían ir a la basura porque es un instante, es la presencia, el momento, está ahí. Y es un respeto, es un gozo, el tremendo placer de decir sí. Incluso si es algo que odias, ¡sí! Es una afirmación. ¡Sí!”

Maestro e inspirador de millones de fotografos.



El próximo dia 1 de Febrero a las 20h se realizara la presentación del libro “Paisajes del Mar” del gran fotógrafo José Benito Ruiz en el Auditório Municipal de Yecla.

Bibliografia José Benito Ruiz
http://es.wikipedia.org/wiki/Jos%C3%A9_Benito_Ruiz

Fotografías de José Benito Ruiz
http://www.josebruiz.com/

http://www.focusonplanet.com/jose-benito-ruiz/

Luis Beltrán

Publicado: septiembre 18, 2011 en Entrevistas, Fotógrafos

Cuando me pongo delante de cualquier fotografía, trato de hacerlo sin ningún tipo de prejuicio. Lo que le pido a una imagen es que me transmita, me comunique y me transporte. La técnica utilizada no es importante para mi.

Trato de usar todos mis conocimientos en conseguir lo que persigo. Por otro lado, las foto-composiciones me permiten llevar a cabo todo aquello que pasea por mi mente. De otra forma me resultaría imposible.

Siempre he dicho que lo importante no es la cámara sino el ojo con el que se mira….Entrevista a Luis Beltrán: Fotografiando los sueños XATAKAFOTO

José Manuel Navia

Publicado: julio 27, 2011 en Entrevistas, Fotógrafos

Otro gran maestro que no hay que dejar de visitar
Su blog:

José Manuel Navia

Entrevista en Fotoactitudes de J.M. Navia:


Gracias a la “calidad humana” y la “preocupación por la infancia” mostrada en sus instantáneas.

Escrito por Luis Alberto Martín el Lun, 18/04/2011 – 08:07.

enalcobendas.es

Biografía

Nacida en Puertollano en 1949, la ganadora de esta edición del Premio Internacional de Fotografía Alcobendas comenzó con la cámara durante su etapa universitaria. En esos inicios se dedicó a investigar las celebraciones populares, paganas y religiosas, de la Europa mediterránea, sobre todo a nivel nacional, una investigación de donde saldría España oculta (Lunwerg, 1989), que ha recibido, entre otros, el Premio al Libro del año, del Festival de Fotografía de Arlés (Francia), o el otorgado por la Fundación Eugene Smith de Nueva York.

También, entre los reconocimientos otorgados a esta fotógrafa, se encuentran, entre otros, el Planeta de Fotografía (1985); el World Press Photo, en la categoría de Arte (1993); el Premio Nacional de Fotografía del Ministerio de Cultura (1996); el Godó de Fotoperiodismo (Fundación Conde de Barcelona, 2001); la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes (2005); el Premio de Cultura de la Comunidad de Madrid (2005); y el Alfonso Sánchez García de Periodismo Gráfico (Asociación de Periodistas Gráficos Europeos. Madrid, 2007).

Miembro de la agencia Magnum Photos desde 2005, Cristina García Rodero se encuentra inmersa desde hace años en el proyecto Entre el cielo y la tierra, un registro “de festivales de música, erotismo y sexo; sitios para divertirse, mostrarse o amarse, de contacto humano o trascendente”, del cual ya han aparecido dos libros: Rituales en Haití (Ediciones tf, 2001) o Burning Man, trabajo sobre el festival que cada septiembre tiene lugar en el desierto de Nevada (EE.UU.).

Entrevista a Cristina García Rodero


Fotografía: Cristina García Rodero

Vídeo: Universidad Internacional Menéndez Pelayo