Archivos para diciembre, 2013


El passat 16 de novembre de 2013, es va reunir a la “Casa del Fester” el jurat qualificador del “43é Concurs de Fotografia” sobre las festes de Moros i Cristians, que organitza l’Agrupació de Comparses de Moros i Cristians de Castalla. Una… vegada examinades les 30 còpies “Infantil”,   58 còpies en “Blanc i Negre”, 80 còpies en “Color”, 62 còpies d´ “Ambient Fester”, a otorgar els següents premis (10 de ellos a miembros de la Agrupación Fotográfica Castalla):

Primer Premi Blanc i Negre José Juan Pérez

 
Segon Premi Blanc i Negre
Vicente Guill Fuster
Tercer Premi Blanc i Negre
Reyes Cerdá Mira
Premi Local Blanc i Negre
Nadia Fuster Aparicio
Primer Premi Color
Vicente Guill Fuster
Segon Premi Color
Vicente J. Moreno
Tercer Premi Color
Fernando Pastor Sola
Premi Local Color
Pasqual Rico Valor
Primer Premi Ambient Fester
José Juan Pérez
Segon Premi Ambient Fester
José Ricardo Sanchís García
Tercer Premi Ambient Fester
Nadia Fuster Aparico
Premi Local Ambient Fester
Rafael Domenech Aparicio

Herramienta para la edición de fotos profesional
Fotor es una de fotos en línea editor , libre , multiplataforma , fue lanzado en mayo de 2012 y tiene poderosas de edición de herramientas , disponibles a cualquier pesona que tiene una conexión a Internet .
Fotor utiliza la nube para proporcionar un conjunto de procesamiento de imágenes de herramientas que van desde las funciones básicas como recortar o redimensionar las imágenes , cambiar el tamaño de fotos , recortar, girar , enderezar , ajustar el brillo , el contraste , la saturación y la nitidez , también el color y el tono, sino que también incluye características avanzadas tales como HDR (High dinámico rango) de procesamiento de gergar efectos o textos .
Es una herramienta para la edición de fotos profesional accesible a los usuarios a través de flujo de trabajo y una interfaz intuitiva, interfaz fácil de usar .

Enlace: Fotor

Best photos of the year 2013

Publicado: diciembre 8, 2013 en curiosidades, Uncategorized

Main Image

sigue el enlace

http://blogs.reuters.com/fullfocus/2013/12/01/best-photos-of-the-year-2013/#a=1


 

Para empezar en este mundo, sea por afición o con intención de profesionalizarse, puede ayudar el interiorizar y poner en práctica una serie de hábitos y consejos para fotógrafos que un todos deberíamos aprender para mejorar nuestros resultados.

Eve Arnold, la primera mujer en integrarse al equipo de trabajo de la agencia fotográfica Magnum

Eve Arnold, la primera mujer en integrarse al equipo de trabajo de la agencia fotográfica Magnum
18 de noviembre de 2013, 13:00

Por si alguien todavía lo duda, la fotografía es un arte, y, por lo tanto los amantes, profesionales, amateurs, etc. debemos estar al día y saber qué es lo que se está haciendo en este maravilloso mundo: técnicas, estilos, fotógrafos… Al igual que un pintor tiene que pintar y pintar hasta desarrollar su propio estilo, un fotógrafo puede adaptar una serie de prácticas, hábitos que ya tienen incorporados muchos fotógrafos. Veamos cuáles:

1.Cuida tu equipo

Es uno de los consejos para fotógrafos más repetidos, pero también uno de los más básicos. El objetivo te mostrará lo que se ve a través de él, pero sólo si está limpia, claro. La opción de tratar las imágenes en un editor es bastante más engorroso que tener un kit de limpieza y darle una pasada antes de disparar. Por menos de 10€ te puedes comprar uno en una tienda de fotografía. Transporta tu equipo en una bolsa y cuando no la estés usando guárdala bien para que no acumule polvo. Nunca olvidaré el consejo que me dieron cuando, hace años, llevé a limpiar los objetivos de mi primera cámara: “colócalos en una estantería, fuera de la funda, para que la humedad le afecte lo mínimo”. Y yo tengo el equipo en guardado en un armario, al aire, con una bola que absorbe humedad y unas bolsitas de sílice.

2.Trata de contar una historia con cada foto

Básicamente, la diferencia entre una fotografía y una buena fotografía es la historia que cuenta. La narratividad en fotografía es un concepto con el que debemos familiarizarnos, pero si se practica con paciencia y esfuerzo verás mejora en los resultados. A lo mejor un buen comienzo en el estudio de la narrativa fotográfica es practicar con secuencias de fotos que tengan un nexo de unión y cuenten alguna historia.

3.Aprende a trabajar con la cámara

Cuanto menos tiempo tengas que dedicar a la edición implica que mejor ha sido tu trabajo con la cámara. Aprender a trabajar con ella, conocerla, saber sus posibilidades y limitaciones hará que obtengas mejores resultados y también más satisfactorios. La edición debería usarso más como último recurso que para transformar una imagen normalucha en una buena.

4.Aprende el oficio

Como cualquier otra habilidad, para conseguir algo en fotografía hay que invertir tiempo y esfuerzo en aprender. Estudia a los grandes fotógrafos de la historia, practica tanto como puedas y más, lee sobre fotografía, ve a alguna clase o taller con expertos. Cuanto más sepas sobre cómo se trabaja en el mundo de la fotografía, cuanta más técnica aprendas, más autoconfianza ganarás y mejor podrás poner tus conocimientos en práctica. También es una buena opción unirse a grupos o clubs de fotografía, seguir foros y webs y apuntarse a paseos fotográficos para compartir experiencias.

5.Bracketing

Acostúmbrate a realizar varias exposiciones en el mismo encuadre, así tendrás más opciones para elegir el mejor disparo y evitarás problemas de sobre o subexposición. Sobre todo si trabajas con cámara digital, es recomendable y puedes obtener resultados incluso sorprendentes e inesperados.

Me preguntaban el otro día vía Twitter sobre cómo iniciarse en el mundo de la fotografía y yo creo que por aquí pueden ir los tiros. Para mí se resumen de forma muy sencilla: amor y cuidado por lo que haces.Si te gusta el mundo de la fotografía vas a preocuparte por investigar y descubrir todos sus secretos y si eres cuidadoso, te preocuparás por que todos los conceptos asociados a la fotografía, desde composición, encuadre, pasando por la mencionada narratividad, unido todo esto a la técnica, los vayas mejorando a medida que vayas practicado.

 

fuente http://altfoto.com/2013/11/5-habitos-que-fotografo-deberia-aprender?utm_source=self&utm_medium=nav&utm_campaign=lo+mas+leido+single


Organizado por… AGRUPACIÓN FIESTAS DE NAVIDAD Y REYES LAS VIRTUDES

Colabora… VILLENA CUÉNTAME
Patrocinan… CENTRO COMERCIAL FERRI, RIESMA y MESÓN LOS REYES.
1º PARTICIPANTES
Podrá participar en el concurso cualquier persona del mundo, con un máximo de cuatro (4) fotografías por participante. Se recomienda ir vestido de época para poder mezclarse entre los personajes y conseguir mejores fotografías.
2º TEMA
Fotografías relacionadas con los actos del Auto Sacramental de Las Virtudes 2014,  realizadas en el pueblo hebreo y el día 6 de enero “Adoración de los Reyes Magos” y 12 de enero “Huída a Egipto y Degollación de los Santos Inocentes”
Se trata de conseguir aumentar el interés por la fotografía de nuestras fiestas haciendo partícipes a todos, obtener un buen archivo fotográfico para el disfrute de nuestro pueblo y promocionar nuestras fiestas de Navidad y Reyes que se celebran en Las Virtudes (Villena).
3º FOTOGRAFÍAS
Las fotografías presentadas deben de ser propiedad del participante.
Fotografías sin restricciones de técnica.
Fotografías limpias, sin impresiones de copyright ni otros.
La organización se reserva el derecho a no admitir las fotografías que, según su criterio, no cumplan con las condiciones técnicas, artísticas y/o legales exigidas por el concurso, o que hieran la sensibilidad de las personas, inciten a conductas violentas, discriminatorias o contrarias a los usos sociales.
No se aceptarán fotografías que hayan sido publicadas o exhibidas anteriormente o en otros concursos.
El participante manifiesta y garantiza que es el único titular de todos los derechos de autor sobre la fotografía que presenta al Concurso y se responsabiliza totalmente de que no existan derechos de terceros en las fotografías presentadas.
La organización presupone que el fotógrafo tiene la autorización y/o permiso de las personas que aparecen en los trabajos presentados, recayendo sobre el autor toda responsabilidad relacionada con el derecho a la intimidad.
Las fotografías podrán ser utilizadas por la Agrupación de Fiestas de Navidad y Reyes de Las Virtudes y Villena Cuéntame para exposiciones o en sus web y blogs, siempre sin fines lucrativos.
4º CÓMO PARTICIPAR
Las fotografías deben estar realizadas con cámara digital y deben respetar los siguientes requisitos:
– Las fotografías deben ser archivos formato JPG.
– Se admitirán fotografías en blanco y negro, y color.
– El peso del archivo no debe pasar de un máximo de 5 Mb.
Los participantes que no cumplan con cualquiera de los requisitos indicados no entrarán en concurso.
5º FECHA DE ADMISIÓN, ENVÍO E IDENTIFICACIÓN
Para participar hay que enviar las fotografías a villenacuentame@gmail.com
con los siguientes datos:
– Nombre y apellidos del concursante.
– Dirección de correo electrónico.
– Teléfono de contacto.
– Localidad de residencia.
– Titulo de la fotografía. (opcional)
* El plazo de admisión finaliza el jueves día 30 de enero de 2014.
6º EXPOSICIÓN DE LAS FOTOGRAFÍAS
Todas las fotografías se podrán ver en el blog de concursos de Villena Cuéntame…  www.katakilabajoka.com al recibirse con un número de participación.
Las fotografías se podrán consultar y valorar libremente por los visitantes del blog www.katakilabajoka.com sin que esto presuponga un anticipo de la decisión final del jurado.
7º FALLO DEL JURADO
El fallo del jurado se realizará el 2 de febrero de 2014.  Y  se hará público sobre las 20 horas del mismo día en…   www.villenacuentame.com    www.katakilabajoka.com  http://reyesmagoslasvirtudes.blogspot.com.es/
Los criterios de evaluación del jurado serán la creatividad y la calidad fotográfica. La selección de los ganadores será a discreción absoluta del jurado y su fallo será definitivo e inapelable.
La participación en el concurso implica la aceptación de todas y cada una de las bases del mismo. La organización queda facultada para resolver cualquier contingencia no prevista en las Bases.
El jurado estará compuesto por relevantes personalidades del mundo de la fotografía y un miembro de la Agrupación de Fiestas de Navidad y Reyes.
8º PREMIOS
Se concederán tres únicos premios.
– 1er premio: 200 €.
– 2º   premio: 100 €.
– 3er premio:   50 €.
La persona ganadora del concurso, si está de acuerdo, formará parte del jurado de la próxima edición. No pudiendo en cualquier caso presentarse a la misma.
La entrega de los premios se comunicará a través de   www.villenacuentame.com    www.katakilabajoka.com http://reyesmagoslasvirtudes.blogspot.com.es/  y a los premiados telefónicamente.
Fecha prevista para la entrega de premios viernes 7 de febrero de 2014 a las 20 horas en las instalaciones del Centro Comercial Ferri de Villena.

We all have our idols in photography, but have you ever wondered “What were their first cameras?” Here, a little interesting research and found out first cameras of 15 famous photographers.

Ansel Adams

Ansel Adams (1902 – 1984) was an American photographer and environmentalist. His black-and-white landscape photographs of the American West, especially Yosemite National Park, have been widely reproduced on calendars, posters, and in books.
Adams first visited Yosemite National Park in 1916 with his family. During that stay, his father gave him his first camera, a Kodak Brownie box camera, and he took his first photographs with his “usual hyperactive enthusiasm”.

Robert Capa (1913 – 1954) was a Hungarian war photographer and photojournalist who covered five different wars: the Spanish Civil War, the Second Sino-Japanese War, World War II across Europe, the 1948 Arab-Israeli War, and the First Indochina War.
The most widely known camera used by Robert Capa was his Leica 35mm. He had used a chromed Leica III with non coated Leitz Summar 5cm f/2 designed by Max Berek during the Spanish Civil War until late May 1937 and a Contax II with Carl Zeiss Jena Sonnar 5cm f/2 designed by Ludwig Bertele from that date, but there was very scarce information about the cameras that he had used before 1935. On the day he died, Robert Capa was carrying a Contax and a Nikon S with a 50mm lens, one loaded with color film, the other with black-and-white.

Henri Cartier-Bresson (1908 – 2004) was a French photographer considered to be the father of photojournalism. He was an early adopter of 35 mm format, and the master of candid photography. As a young boy, Cartier-Bresson owned a Box Brownie, using it for taking holiday snapshots; he later experimented with a 3×4 inch view camera.
As a photographer of today’s hottest celebrities—and who herself has become a celebrity—Annie Leibovitz (born c. 1949) has chronicled popular culture for more than 25 years. She is “a photographer of celebrities who has herself become a celebrity.” For the past 25 years, no photographer has delivered more photographs of the people we most want to see than has Annie Leibovitz. Annie bought her first camera, a Minolta SR-T 101, during her freshmen year of college while visiting Japan. The first thing she did with it was take it on a climb up Mt. Fuji. “It’s a glorious moment. Spiritually significant. When I got to the top I realized that the only film I had was the roll in the camera. I hadn’t thought much about the film situation. I photographed the sunrise with the two or three frames I had left.


Brassaï (1899 – 1984) was a Hungarian photographer, sculptor, and filmmaker who rose to international fame in France in the 20th century. He was one of the numerous Hungarian artists who flourished in Paris beginning between the World Wars. He studied technique, and used an eccentric collection of plate cameras, even after the 35mm Leica became the chosen camera of photographers with similar interests. Brassai’s first camera was Voigtlander Bergheil and later a Rolleiflex.

Helmut Newton (1920 – 2004) was a German-Australian photographer. He is most famous for his work as a fashion photographer, frequently creating work for Vogue magazine, and for his provocative, studied photographs of nudes. Newton bought the camera himself in 1932 at age 12, an Agfa Tengor Box. Out of the eight shots on his first roll of film, seven were blanks.

Irving Penn (1917 – 2009) was an American photographer known for his fashion photography, portraits, and still lifes. In 1938, Irving Penn used money he had earned working for Alexey Brodovitch at Harper’s Bazaar to purchase his first camera, a Rolleiflex. In his free time, he used the Rolleiflex to explore the streets of New York City, taking “camera notes”1 of the street scenes and peculiar window displays. Penn also brought the Rolleiflex on his travels through the Southern United States to Mexico, where he went to paint in 1942. Irving Penn began using a 35mm Leica camera in 1950 during his travel assignments for Vogue.
Elliott Erwitt (b. 1928) is an advertising and documentary photographer known for his black and white candid shots of ironic. His first camera was an antique glass plate camera that he “bought for five bucks” when he was 14. He started supporting himself at 15, printing movie stars’ photographs. Later, Elliott upgraded to a $200 Rolleiflex, his first “real” camera.
Walker Evans (1903 – 1975) was an American photographer best known for his work for the Farm Security Administration (FSA) documenting the effects of the Great Depression. Much of Evans’s work from the FSA period uses the large-format, 8×10-inch camera. He said that his goal as a photographer was to make pictures that are “literate, authoritative, transcendent”. Around the age of 14, “like every other child,” Evans first became interested in photography: “I did have a box camera, and I developed film in the bathroom.
In 1938, Evans also took his first photographs in the New York subway with a camera hidden in his coat. These would be collected in book form in 1966 under the title Many are Called.
Alfred Eisenstaedt (1898 – 1995) was a German photographer and photojournalist. He is best known for his photograph of the V-J Day celebration and for his candid photographs, frequently made using a 35mm Leica camera. Eisenstaedt was given his first camera at the age of 14, an Eastman Kodak Folding Camera with roll film, and sold his first photograph in 1927 to the newspaper Der Weltspiegel at a time when photojournalism was at its very infancy.
Joel Meyerowitz (b. 1938) is a street photographer, and portrait and landscape photographer. He began photographing in color in 1962 and was an early advocate of the use of color during a time when there was significant resistance to the idea of color photography as serious art.
Inspired by seeing Robert Frank at work, Meyerowitz quit his job as an art director at an advertising agency and took to the streets of New York City with an old Pentax camera that he borrowed from his boss, Harry Gordon, and black-and-white film. “But within the first six months I realized that it was a limiting my way of seeing and responding. My best friend at the time was Garry Winogrand and Garry only used Leicas, so I borrowed a Leica one afternoon and that was it. I saw how if you want to be a street photographer and you want to be invisible that’s the camera you have to have,” he says.
Gordon Parks (1912 – 2006) was an American photographer, musician, writer and film director. He is best remembered for his photographic essays for Life magazine and as the director of the 1971 film, Shaft. At the age of twenty-five, Parks was struck by photographs of migrant workers in a magazine and bought his first camera, a Voigtländer Brillant, for $12.50 at a Seattle, Washington, pawnshop. “I bought what was to become my weapon against poverty and racism,” he says.
Alfred Stieglitz (1864 – 1946) was an American photographer and modern art promoter who was instrumental over his fifty-year career in making photography an accepted art form. Sometime in late 1892 Stieglitz bought his first hand-held camera, a Folmer and Schwing 4×5 plate film camera. Prior to this he had been using an 8×10 plate film camera that always required a tripod and was difficult to carry around. “I bought it and carried it to my room and began to fool around with it. It fascinated me, first as a passion, then as an obsession. The camera was waiting for me by predestination and I took to it as a musician takes to a piano or a painter to canvas.” He wrote of his first camera.
Mary Ellen Mark (b. 1940) is an American photographer known for her photojournalism, portraiture, and advertising photography. She began photographing with a Box Brownie camera at age 9. A fine art major, she was lost about what direction to take in life — and then she encountered photography again: “From the moment I picked up a camera for my first school assignment, there was no turning back. I knew that was exactly what I wanted to do and where I wanted to be for the rest of my life.”
Nan Goldin (b. 1953) is an American photographer. She was introduced to photography at the age of fifteen by a teacher who passed out Polaroid cameras to students at the progressive Satya Community School in Boston. She began taking black-and-white photographs of her friends in the transvestite community of Boston in the early 1970s and had her first solo show at Project, Inc. in Boston in 1973. She received a B.F.A. from Tufts University in 1977 and an additional Fifth Year Certificate in 1978. As she progressed through school, she began using bright Cibachrome prints.


Seguro que ya lo sabías, se trata de esta fotografía, la imagen del escritorio de Windows XP de Microsoft, titulada Bliss. Te contamos su historia, la historia de la foto más vista del mundo.

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En 1995, Charles O’Rear estaba conduciendo en la ruta entre San Francisco y el valle de Napa cuando se quedó encantado con la vista causada por la hierba verde y las nubes blancas a su lado. No dudo en hacer el registro.

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En el 2001, el fotógrafo, que ahora tiene 70 años, recibió una llamada de su agente contándole que Microsoft quería usar su fotografía.

“No tenía ni idea de que algo así podría ocurrir. Es considerada la fotografía más vista del planeta. Si llevas la imagen a una aldea en Bangladesh o si la enseñas a alguien en alguna calle en China pueden reconocerla con facilidad, seguro sabrán lo que es”, agregó.

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Charles O’Rear, que trabajó para National Geographic durante 25 años, no puede revelar lo que recibió económicamente por Microsoft, dado que firmó un acuerdo de confidencialidad. Sin embargo, al parecer, sería la segunda foto más cara jamás comprada.

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113 Madre y bebé de Aliste - Ortiz Echagüe

 
Sermón en la aldea
En el campo de la fotografía artística es quizá el fotógrafo más popular y uno de los más reconocidos internacionalmente. En 1935 la revista American Photography lo consideró uno de los tres mejores fotógrafos del mundo. Algunos críticos lo consideran el mejor fotógrafo español hasta el momento, lo cual es más meritorio porque la fotografía fue una afición a la que dedicaba ratos libres, especialmente los fines de semana y durante sus viajes. Desde el punto de vista artístico y por su formación y temática se le podría considerar el representante de la generación del 98 en la fotografía. Se le suele encuadrar dentro de la corriente fotográfica del pictorialismo, siendo el mejor representante del llamado pictorialismo fotográfico español, aunque esta denominación no le gustaba a Ortiz Echagüe. Su obra fotográfica se enfoca hacia la plasmación de los caracteres más definitorios de un pueblo, sus costumbres y atuendos tradicionales y sus lugares. Consigue expresar con sus fotografías una expresión personal más cercana a la pintura, casi siempre mediante efectos durante el positivado. En 1898 le regalaron su primera cámara, desde entonces y a lo largo de 75 años realizó miles de fotografías. Revelaba él mismo sus negativos usando una técnica al carbón fresson, corriente en su juventud aunque pronto quedó desfasada. Él la usó en toda su obra artística, lo que daba un especial matiz a sus positivos, así como un mayor contraste, que hace que sus obras sean fácilmente reconocibles. Su producción es enteramente en blanco y negro. Tanto la fabricación del papel como el procedimiento de obtención de fotografías requerían mucha paciencia, una extraordinaria habilidad y un perfecto manejo de la técnica por lo que, con el paso de los años y a medida que se simplificaban los procesos fotográficos, los pocos fotógrafos que lo utilizaban lo fueron abandonando. El papel llevaba una fina capa de gelatina a la que se añadía pigmento de color negro y se hacía sensible a la luz. El fotógrafo obtenía copias por contacto basándose en el principio de que en las partes de la imagen que recibían menos luz la gelatina quedaba blanda y las partes de imagen que recibían más luz se endurecían con lo cual, al lavar la copia –con agua y serrín para producir roce sobre el papel- se eliminaba la gelatina blanda con el pigmento, quedando esa zona blanca y resistía la gelatina endurecida, aprisionando en su interior el pigmento, produciendo zonas negras. De este modo aparece la imagen sobre el papel. Dicha imagen, con el papel aún húmedo, podía retocarse mediante pinceles, muñequillas de algodón o raspadores lo que daba al autor una gran libertad creativa. La capacidad de intervención en el resultado final de una fotografía, la mayor riqueza de tonos que proporciona el pigmento y su estabilidad eran los motivos principales de José Ortiz Echagüe para el uso de este procedimiento. Sin embargo, no es este arcaico método lo más importante en las imágenes del autor. Sin un asunto interesante, una buena composición, luces bien dirigidas sobre los modelos y la correcta disposición de la escena, el procedimiento al carbón directo sobre papel Fresson daría lugar a copias vulgares. Él mismo hizo una clasificación de sus obras al agruparlas en cuatro libros: Tipos y Trajes (1930), España, Pueblos y Paisajes (1939), España Mística (1943) y España, Castillos y Alcázares (1956). A estas colecciones se deben añadir otras dos series: Marruecos y fotos familiares. En la serie de tipos y trajes contemplamos una sociedad española de gran folclorismo, y a la vez vemos retratos de una gran profundidad humana. Es difícil no sentirse impresionado por ciertas miradas y gestos de los tipos retratados, personajes populares de las calles de algún pueblo español.

En España, pueblos y paisajes vemos, más allá de la mera reproducción del monumento o del paisaje, el contraste de las tierras y de los pueblos.
La serie sobre España mística se centra en las comunidades de religiosos de clausura y en devociones populares como procesiones o romerías. En esta serie nos presenta retratos de monjes que nos recuerdan a los monjes de Zurbarán o El Greco.

Los castillos y alcázares españoles se podrían considerar una grupo dentro de la serie sobre los pueblos y paisajes españoles, aunque se caracterizan por su especial dedicación, de esta serie existen muy pocos ejemplares uno de ellos en posesión de su amigo Francisco Benito, camarero y confidente de la familia en Madrid. La serie de Marruecos fue realizada durante su estancia entre 1909 y 1916 como ingeniero militar en el entonces llamado Protectorado Español de Marruecos.

Las fotos familiares son retratos realizados para su familia, muchos de ellos de tan alta calidad como los anteriores.

Los méritos de sus obras son evidentes: la belleza y la majestuosidad de sus fotografías, la delicadeza y la sensibilidad de sus composiciones, su respecto y afecto por los tipos tradicionales que retrata. Sus fotografías siguen causando la fascinación de la época en que fueron tomadas. Su obra se ha reeditado múltiples veces, y se ha expuesto en numerosos lugares en todo el mundo. Recibió varios premios en vida, en España y en el extranjero. La mayor parte de su obra está reunida en el Legado Ortiz Echagüe, en la Universidad de Navarra, que recoge aproximadamente 1.000 composiciones originales realizadas según el método de carbón fresson, así como más de 20.000 negativos. El Museo del Traje de Madrid, dependiente del Centro de Investigación del Patrimonio Etnológico, posee una buena colección de fotografías de la serie de Tipos y Trajes, adquirida en 1933.

Fotógrafo aficionado

Sin embargo, su dedicación a la fotografía era puramente amateur, y en su faceta como empresario fundó dos grandes compañías: Construcciones Aeronáuticas S.A. (CASA) y, más tarde, la primera industria española de fabricación de automóviles en cadena, SEAT.

A raíz de esta exposición se ha tratado de hacer una investigación localizando obras de las que Ortiz Echagüe realizó en su época como militar. En primer lugar, como fotógrafo en la Academia de Ingenieros de Guadalajara y, más tarde, en el propio norte de África, a donde fue como piloto de aeroestación y más tarde como aviador. Este destino le lleva a dar un giro a su producción hacia una obra de tipo pictorialista, con una fuerte intervención manual, en la que se encuentran retratos, alegorías e imágenes costumbristas de ambiente rural.

En ese tipo de obra se puede ver una labor de experimentación formal que José Ortiz Echagüe nunca más volvió a realizar de un modo tan rico: experimentación con composiciones, una labor de investigación en las texturas fotográficas y, en algunos casos, un trabajo de raspado en los propios originales muy fuerte que también deja ver el papel original.

Inicio de un proyecto

En esta etapa utiliza también las fotografías aéreas, ya que su labor en el Protectorado consistía en tomar imágenes destinadas a la realización de mapas cartográficos y a la localización de las posiciones enemigas. A la vez, en sus ratos libres, continúa haciendo retratos de la población local, a modo de reportaje pintoresco sobre la manera de vida de los habitantes del Rif, que después revelaba y enviaba a concursos de fotografía.

La obra africana de Ortiz Echagüe se puede considerar el inicio del proyecto de retratos de personajes populares que ocuparía al fotógrafo durante las siguientes décadas. La sexta edición del libro España. Tipos y trajes incluye la serie africana, cuando no lo había hecho en las anteriores ediciones. La muestra plantea una revisión del origen de la obra de Ortiz Echagüe a la vez que ayudará a comprender su trabajo posterior.

Diálogo con Fortuny

Al proponer una mirada sobre el norte de África, la muestra dialoga con otra de las exposiciones que el museo acoge en estos momentos, en torno a una de las obras clave de su colección, La batalla de Tetuán, de Fortuny; al mismo tiempo que da continuidad a la presencia de la fotografía en las colecciones, a la espera de incorporarla plenamente desarrollada en la colección permanente.

La colección fotográfica del Museu Nacional d’Art de Catalunya abarca desde los inicios de la fotografía hasta la época contemporánea y cuenta con unas 34.800 imágenes, entre fotografías en papel y negativos.

Esta muestra es la continuación de la línea de colaboración entre el MNAC y la Universidad de Navarra −cuya colección está asociada a la del museo− para la investigación y la difusión del patrimonio fotográfico. La cooperación entre ambas instituciones surge, precisamente, de una primera muestra antológica de la obra de Ortiz Echagüe que el Museu presentó en 1998, y que supuso la recuperación de la figura de este fotógrafo en el ámbito internacional.

Sobre José Ortiz Echagüe

En 1898, José Ortiz Echagüe recibe su primera cámara fotográfica, con la que empieza a realizar sus primeras instantáneas. Tres años más tarde recibe una segunda cámara, denominada Photo Esphère, con la que llevó a cabo alguna de sus fotografías más señeras.

En su faceta de fotógrafo se dedicó a capturar imágenes por toda la geografía española, desarrollando cuatro grandes series temáticas, cuya publicación supuso un gran éxito editorial: ‘España, tipos y trajes’, ‘España, pueblos y paisajes’, ‘España mística’ y ‘España, castillos y alcázares’, a las que hay que añadir las series del Norte de África y de retratos familiares.

La mayor parte de sus fotografías están realizadas con el procedimiento del carbón directo sobre papel Fresson que otorga a sus obras un aspecto eminentemente artístico. Sus fotografías viajaron y fueron expuestas en salones y museos de todo el mundo, de modo que Ortiz Echagüe fue el fotógrafo español más internacional de la primera mitad del siglo XX.

Su legado, depositado en la Universidad de Navarra, consta de cerca de 1.500 positivos originales, más de 28.000 negativos, interpositivos, contratipos, además de equipos fotográficos y material diverso. Además incluye una biblioteca especializada, documentación y su colección personal de fotografías de otros autores.

– See more at: http://www.hoyesarte.com/evento/2013/03/norte-de-africa/#sthash.KOW88eyM.dpuf


 

(left) Window, 1957. (right) Snow, 1960
Photographs © Saul Leiter | Howard Greenberg Gallery
Saul Leiter Paintings at Knoedler Project Space Paintings gouache, casein and watercolor on paper
Taxi, 1957 Photograph © Saul Leiter | Howard Greenberg Gallery
Saul Leiter and Jean Pagliuso, 2009 Photograph © Elizabeth Paul Avedon
"Untitled (pink umbrella)," Saul Leiter
It’s amazing to think Leiter and Eggleston’s beautiful early color photographs were initially considered so gauche.
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       Taxi, New York, 1957 © Saul Leiter    365     
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       Taxi, 1956 © Saul Leiter   376     
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       New York, 1954 © Saul Leiter / courtesy Howard Greenberg Gallery, New York    325     
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       New York, circa 1955 © Saul Leiter / courtesy Howard Greenberg Gallery, New York    319     
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       New York, circa 1960 © Saul Leiter / courtesy Howard Greenberg Gallery, New York    319     
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       New York, circa 1950 © Saul Leiter / courtesy Howard Greenberg Gallery, New York    319     
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       Reflection, 1958 © Saul Leiter   370     
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       New York, circa 1948 © Saul Leiter / courtesy Howard Greenberg Gallery, New York    319     
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       Newspaper Kiosk, 1958 © Saul Leiter   365     
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       New York, circa 1958 © Saul Leiter / courtesy Howard Greenberg Gallery, New York    319     
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       New York, circa 1950 © Saul Leiter / courtesy Howard Greenberg Gallery, New York    319     
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       New York, circa 1960 © Saul Leiter / courtesy Howard Greenberg Gallery, New York    319     
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       Sign Painter, 1954 © Saul Leiter   368     
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       Paris, 1959 © Saul Leiter   375     
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       Lanesville, 1958 © Saul Leiter   370     
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       Vogue Magazine cover, September 1966, photo © Saul Leiter   343     
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       Saul Leiter photo exhibition, Bryant Park/42nd Street subway station, New York, installation photograph © 2007 John Barnes   278     
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       Saul Leiter photo exhibition, Bryant Park/42nd Street subway station, New York, installation photograph © 2007 John Barnes
 Antes de esbozar la vida y obra del fotógrafo y pintor Saul Leiter (Pittsburgh, 1923), fallecido el pasado martes a los 89 años, habría que pedir perdón al alma del finado, que dejó dicho lo siguiente: que no entendía el interés por su obra; que no sabía realmente si era un pionero de la fotografía en color, y que esperaba que su desaparición no fuera considerada merecedora de un obituario.

Contraviniendo pues su humildad y su voluntad de pasar desapercibido, es necesario recordar que en los años cuarenta un joven norteamericano de Pensilvania desafió los planes de su padre de formarlo como rabino, se instaló en un apartamento del Lower East Side de Nueva York con la intención de convertirse en pintor (y con la complicidad de su madre) y acabó destrozando las ideas recibidas sobre la plasticidad de la imagen.

Leiter no gozó, salvo en sus últimos años de vida, del reconocimiento concedido a otros maestros e innovadores como William Eggleston, Gordon Parks, Stephen Shore, Diane Arbus, Ernst Haas, William Klein y Helen Levitt. Pero es imprescindible citar a algunos de sus pares para encuadrar de forma fidedigna su relevancia artística. Sus fotos, plasmadas en las monografías editadas por Martin Harrison (Early Color, 2006), Agnès Sire (Saul Leiter, 2008) y Max Kozloff/Jane Livingston (Early Black and White, en preparación), todas ellas publicadas por Steidl, muestran a un artista capaz de extraer de la fotografía de calle una exquisita paleta de colores y de revelar las composiciones, formas y texturas que ofrece la realidad cotidiana para quien sepa descubrirlas.

Leiter, que recibió una cámara casi de juguete de manos de su madre a los 12 años, dio un paso definitivo hacia la fotografía profesional cuando, en 1946, decidió hacer un trueque e intercambiar copias del célebre reportaje The Spanish Village de W. Eugene Smith (amigo y mentor) por una cámara Leica. Un año más tarde, al asistir a una exposición de Cartier-Bresson en el Museo de Arte Moderno (MoMA) de Nueva York, el rabino malogrado sintió que la fotografía, no la cura de almas, ocuparía un lugar predominante en su vida.

No por ello le sería infiel a la pintura. Nunca dejó de practicar ese arte, pero su mayor logro consistió en incardinar el poder de representación de la pintura en sus fotos: así pudo convertirlas en metáforas, a menudo difuminadas, de las sensaciones y notas cromáticas que él veía en las calles de Manhattan.

En sus primeras fotografías en blanco y negro, ahora recuperadas por Steidl, se advierte ya su maestría en la composición y, particularmente, en la combinación sujeto/entorno que centra el interés de la imagen. En 1948 el fotógrafo toma sus primeras instantáneas con negativos en color, y a partir de ahí no cesará en su búsqueda por explotar todas las posibilidades de la emulsión fotográfica.

En esa indagación contó con la complicidad de su pareja, la artista Soames Bantry (fallecida hace una década), con la que compartía su pasión por la pintura y a la que usó como modelo en varias ocasiones. Una mujer con la que pasaba horas discutiendo sobre arte, como recuerda el propio fotógrafo en el documental In No Great Hurry: 13 Lessons in Life with Saul Leiter (2012), del británico Tomas Leach.

Su búsqueda de la belleza le llevó a trabajar en la prensa especializada en moda, gracias al interés que despertó su trabajo en el editor Henry Wolf, responsable de la dirección artística de Esquire y, posteriormente, de Harper’s Bazaar. En esta publicación firmó algunas de sus portadas más creativas, quizá solo igualadas por Erwin Blumenfeld.

A Leiter se le ha considerado parte de la llamada Escuela de Nueva York, aunque su intención se aleja del documentalismo. Como explica Max Kozloff en Early Black and White, la ciudad que retrata es la misma que la de William Klein o Lou Faurer, pero “sin su visión de la ciudad como entidad social”.

La primera constatación de su calidad artística fue la inclusión de sus fotos en la exposición del MoMA titulada Always the Young Strangers, comisariada por Edward Steichen en 1953. Tras décadas centrado en la fotografía de moda y publicitaria, fue a finales de los noventa, y sobre todo en la década de 2000, cuando la obra de Leiter consiguió despertar a la comunidad artística internacional, hasta ese momento poco consciente de su valía. Así lo atestiguan las sucesivas exposiciones en la galería Howard Greenberg en Nueva York, la Fundación Henri Cartier-Bresson en París, el Museo del Elíseo en Lausana, la Casa de la Fotografía en Hamburgo, la Fundación Forma en Milán y, hasta esta semana, la Galería Springer en Berlín, en colaboración con Fifty One Fine Art (Amberes).

Con motivo del fallecimiento de Leiter después de una rápida y devastadora enfermedad, el que fuera su galerista y amigo personal, el neoyorquino Howard Greenberg —que ha tratado a algunos de los más importantes fotógrafos del siglo XX—, difundió una nota personal en la que lo califica de “único”. Un genio humilde de la fotografía que, “cuando le llegaron la fama y la fortuna, no supo qué hacer con ellas”.